A cura di:

Alberto Dambruoso e Micol Di Veroli

Artisti:

Paolo Angelosanto, Maurizio Arcangeli, Nanni Balestrini, Angelo Bellobono, Bernard Thomas, Alighiero Boetti, Christian Breed, Danilo Bucchi, Carl D’Alvia, Gino De Dominicis, Maurizio Donzelli, Stefania Fabrizi, Licia Galizia, Robert Gligorov, Renato Mambor, Fabio Mauri, Riccardo Murelli, Luca Padroni, Giulio Paolini, Luca Patella, Dino Pedriali, Daniela Perego, Luana Perilli, Vettor Pisani, Renzogallo, Toomattos (Roxy in the box e Carlo Rossi), Gian Maria Tosatti [Hôtel de la Lune], Ilir Zefi

Finissage:

Talk – Sabato 6 Febbraio ore 19,00 – Wunderkammern, Roma, Via Gabrio Serbelloni 124

Con il sostegno:

Municipio Roma 6

Per meglio comprendere l’essenza del progetto TItled/Untitled, Wunderkammern ha organizzato un evento collaterale che prevede un talk fissato per le ore 19:00 al quale parteciperanno alcuni degli artisti coinvolti nella mostra. Nel corso del dibattito sarà possibile porre quesiti sull’importanza del titolo o del non-titolo come motore centrale dell’opera d’arte o semplice attributo identificativo.

City stalker: Tram n. 1
Data di vernissage:  Domenica 13 Settembre 2009
Data di chiusura:      Venerdì 2 Ottobre 2009

Frida Café
indirizzo: via Pollaiuolo, 3 Milano
tel: 02/680260

http://www.fridaisola.it/

Orari di apertura:     Tutti i giorni 18.00 – 02.00
Lunedì – venerdì 12.30 – 15.00
Domenica 12.00 – 16.00

Orario del vernisage:  19.00

Ingresso libero

Curatore e Artista: Andrea Campi (andrea@andreacampi.it, sito: http://www.andreacampi.it/)

Gianni Asdrubali è pittore. La sua è una pittura sulla superficie che è il luogo degli accadimenti. Qui vuoto e pieno, bianco e nero, acromia e cromia si evidenziano nell’atto artistico che crea l’immagine, il concetto e la stessa realtà estetica che si dà anche come etica per la pervicacia e l’ostinazione con cui Asdrubali realizza il suo magmatico processo creativo. Allora il supporto, sia esso la tela bianca o lo stesso muro, è indifferente, poiché è dato nelle sue qualità proprio dall’intervento dell’artista. Le stesse titolazioni delle opere, neologismi di sapore scientifico-geometrico, significano che l’arte – come la scienza, che si muove allo stesso modo – può scoprire nuove possibilità, nuove realtà.

Tea Giobbio opera con la fotografia, prevalentemente in bianco e nero, e assume come tematica “se stessa”, cioè il suo stesso corpo ripreso con l’autoscatto. Qui sempre appare la “mancanza”, l’ “assenza”, che notoriamente è la base fondamentale per stabilire non solo l’identità ma il concetto stesso di “realtà” (infatti non c’è “positivo” senza “negativo”), quindi di “presenza”. Così Giobbio ci offre la presenza del suo corpo nudo ma senza, per esempio, il volto; del suo corpo avvolto in una lunga veste ma ancora una volta ci priva delle sue sembianze, mentre i suoi piedi, messi bene in vista, sembrano far librare nell’aria la figura complessiva; altre volte si serve della sfocatura dell’immagine per creare un’atmosfera di assenza; in altre occasioni, ancora, abbiamo sì il volto ma celato dalle sue mani.

Walter Vallini è architetto, ma qui si presenta come fattore di oggetti che potremmo definire di “design” ma che preferiamo chiamare “sculture d’ambiente”, sia perché i suoi oggetti sono sempre pezzi unici sia perché non è la funzionalità dell’oggetto che interessa all’artista, concentrato, anzi, proprio sugli elementi estetici della creazione che acquista significato autonomo ed autoreferenziale, al di qua dell’uso possibile. In primo luogo Vallini è preso dalla “materializzazione”, per così dire, della “luce” che pare essere il suo materiale d’affezione sul quale e attorno al quale si organizzano “ancellarmente” i materiali (acciaio, plexiglas e legno, sempre elegantemente dipinti). In tal modo l’oggetto “artefatto” va ad integrarsi con il contesto per realizzare un effetto di grande efficacia estetica, al servizio dell’occhio più che della quotidianità pratica.

Gli spazi della Wunderkammern non solo si prestano bene a questa “sillabazione” di tre “elementi vocali”, ma offrono un’opportunità unica, data la suddivisione degli spazi in due stanze e cave sotterranea, d’allestimento complementare, con le opere a parete di Asdrubali e Giobbio sopra e quelle di Vallini sotto.

Titolo: TRITTONGO

Artisti: Gianni Asdrubali, Tea Giobbio, Walter Vallini

Progetto: Esposizione d’arte contemporanea

A cura di: Giorgio Bonomi e Cristina Marinelli

Location: WUNDERKAMMERN

ROMA, VIA GABRIO SERBELLONI 124

Durata dell’evento: 3 ottobre – 8 novembre 2009

Vernissage: 3 ottobre 2009 – ore 18.00

Come un etnologo del quotidiano, durante questo periodo Carole Chaix partirà alla scoperta/incontro dei quartieri Pigneto – Torpignattara – Mandrione, dei loro abitanti, delle etnie, delle diversità culturali. Gomitoli di storie che si srotoleranno sotto forma di disegni nei suoi numerosi moleskine.

I visitatori-osservatori saranno accolti dall’artista durante gli open-studio events nei giorni 14, 21 e 28 luglio, dalle ore 19.00 per seguire le evoluzioni del progetto ed esplorare la sua arte.

Il progetto proseguirà in altre città italiane ed europee, per ritornare alla Wunderkammern dove ha avuto inizio.

Titolo: DIA – tomo 1, Una tappa una residenza

Artista: Carole Chaix

Progetto: residenza d’artista. Viaggio (extra)ordinario, Parigi-Italia-Parigi 2009-2010.

A cura di: Barbara Musetti

Location: WUNDERKAMMERN

ROMA, VIA GABRIO SERBELLONI 124

06 45435662 – 349 8112973

Periodo di residenza: dal 5 luglio al 1 agosto 2009

Incontri con l’artista: 14, 21 e 28 luglio, dalle ore 19 alle ore 23.

C’è chi come Simona Frillici parte da un momento “noir” delle vicende quotidiane per proiettare l’osservatore su piani di lettura che appaiono filtrati e chi, come Franco Ottavianelli, si ispira con le sue torri alle radici delle antiche culture mediorientali per dissertare su un concetto filosofico e metaforico.

Anette Haas, piuttosto, intraprende un percorso percettivo in cui l’osservazione lascia affiorare la psicologia e l’introspezione; lì dove Gianfranco Grosso opera stratificazioni che lasciano spazio alle emozioni.
Anton Roca, nell’atto dell’osservazione, dà voce a quella sua poetica che fonde esperienze vitali e artistiche. Gianni Piacentini, infine, esplora il concetto di implosione/esplosione sottolineando il forte legame tra scienza e arte. Non c’è arte senza curiosità, non c’è scienza senza rotture. Osservazione come speculazione che avvicina e allontana. Dimensione che attraversa categorie, piani e livelli differenti tra loro. Cielo, terra, arte, vita. L’atto dell’osservare implica un dinamismo intellettuale e fisico: “sollecitazioni gravitazionali” che coinvolgono l’occhio nella loro traiettoria razionalità-istinto. L’osservatorio diviene così una esperienza fruibile da protagonisti diversi. Il ribaltamento dei ruoli fa parte del gioco, quando è l’osservatore a diventare esso stesso oggetto dell’osservazione. In tal modo continua il forte impegno della Associazione nella valorizzazione delle prospettive di crescita sociale e culturale del Municipio Roma 6. In occasione del vernissage verrà anche presentato il catalogo WUNDERKAMMERN 2008, con la documentazione delle attività realizzate dalla Associazione nel corso del 2008. Per le edizioni Miligraf.

Title:
OSSERVATORIO – a tribute to Galileo Galilei   Opening event:
Saturday 28th March 2009 – 6.30pm Location:
WUNDERKAMMERN, via Gabrio Serbelloni 124, Roma

Art Curator:
Manuela DE LEONARDIS

Artists: Simona FRILLICI
Gianfranco GROSSO
Anette HAAS
Franco OTTAVIANELLI
Gianni PIACENTINI
Anton ROCA

Opening times:
28th March > 11th April 2009 Open Tuesdays to Saturdays from 5pm to 7.30pm or by appointment by phone: 347 9044911.

BOLOGNA BATTE BERLINO è uno scontro ideale tra Bologna – città assopita e Berlino – città da sempre all’avanguardia.  Per questa inedita collettiva scendono in campo sei artisti molto differenti tra loro sia per tecnica che per poetica, tuttavia accomunati da  una grande  modernità e un forte impatto espressivo; lo scontro ideale con la capitale tedesca si trasforma così in un incontro reale tra giovani artisti che nella città di Bologna credono ancora.

FUCKTORY ART- GALLERY presenta American Nightmare Revolutions, collettiva nella collettiva, dove i trentatré protagonisti si trovano a manipolare tutti lo stesso supporto, ossia la Statua della Libertà, realizzata in gesso dal GRUPPO ZERO; nascono così trentatré progetti-sculture molto diversi fra loro.

NICOLA DE NIGRIS, artista eclettico, la cui pittura obbedisce a impulsi emozionali profondi, dipinge sovrapponendo colore su colore, materia su materia, similmente a strati geologici. Mediante una tecnica simile a quella dell’Informale astratto lavora con le mani e col corpo esasperando la tela. De Nigris non solo dipinge ma decontestualizza, alla maniera della Pop-Art, oggetti di uso quotidiano e di design, creando nuove opere che si potrebbero definire di “design art”.

JUNGLE POP laboratorio x presenta la sua collezione di sculture-gioiello ispirate agli animali della giungla. Vere e proprie opere d’arte da indossare, realizzate in argento 925 con l’antica tecnica della fusione a cera persa.

MIRKO DONATI, artista e scenografo bolognese, lavora con tutti i materiali possibili. L' artista sembra aver conseguito un corso di formazione in materiali per comprendere cosi' a fondo le proprieta' duttili di ogni materiali usato nelle sue opere. In occasione di questa mostra presenta per la prima volta le sue sculture piombo su piombo, realizzate interamente con cartucce esplose di proiettili, collegate tra loro da piombo fuso, plasmate con forme di cuori e busti di donna.

MASSIMO COSTOLI \ CLAUDIA CONSERVA espongono Danza per un corpo libero, fotografie stampate su gesso e lavorate a mano, graffiate, scritte e numerate.

Il corpo è registrato dalla fotocamera per analizzarlo; i movimenti sono animati da una forza esterna di natura elettrica, esageratamente dinamica. La tensione non è costante poiché si alternano momenti di pausa, riflessione, chiusura. Il corpo è sezionato, scompare nel buio o riappare nella luce.

Pur essendo distanti sotto molteplici punti di vista, gli artisti selezionati per questa collettiva si ritrovano uniti a sostenere la causa della libertà di espressione e l’azione collettiva. Antonella Atti, titolare della galleria, intende quindi offrire una visione nel complesso propositiva, che rafforza condividendo con gli ospiti della mostra un monitor collegato on-line sui luoghi “vivi” della città. La prima telecamera riprenderà in diretta la storica Osteria del Sole, da sempre punto di ritrovo dei bolognesi doc. La seconda telecamera vigilerà su Modo Infoshop, spazio multifunzionale in via Mascarella, crocevia dei movimenti culturali e delle controculture urbane.

Info:

BOLOGNA BATTE BERLINO

Inaugurazione venerdì 23 gennaio, ore 18.00

Oltre Dimore
Via Urbana 6, Bologna
Tel – Fax + 39 051 331217
www.dimore-sas.com; info@dimore-sas.com

MITO

Il gruppo bresciano ARIS, da non confondere con Ares, propone materiali vari che costituiscono le prove per un processo documentario atto a mitizzare individui. Tracce sparse e notizie biografiche analizzate e rintracciate allo scopo dell’elaborazione di un corpus grazie al quale un individuo possa assurgere a “mito”. Non sappiamo cosa vedremo in galleria ma già nell’obiettivo che gli ARIS si prefiggono, la mitizzazione, prendono le mosse una serie di questioni aperte sulle quali lo spettatore si confronterà in sede espositiva. La definizione di mito si differenzia innanzitutto dal consueto concetto di “star” che del “system” industriale e di massa è il prodotto. Bisogna insomma far piazza pulita dei media della sferica società contemporanea, come pure dei concetti di super-omismo, di divinità, perfino dei “casi” umani, letterari o artistici.

Gli ARIS sembrano tornare ad una concezione auratica svincolata da iconismi di superficie in voga nei nostri tempi. No. Scelgono il mito e la sua esemplarità umana, nonostante il mito risalga la linea leggendaria e favolosa che deriva da una visione delle divinità e degli eroi in rapporto con l’origine del mondo, del genere umano o di un popolo, fino a identificare in una persona, una cosa o un fatto una valenza leggendaria che trascende l’individuo (ad esempio: il mito di un personaggio storico o di un politico).

Gli ARIS si dovrebbero cioè distinguere dai “talent-scout” (tanto presenti in tutte le forme del nostro contemporaneo) e inventare un loro metodo per far condividere e riconoscere qualità universali di singoli individui, attivando cioè un sistema (che chiamar strategia suona improprio), un percorso, prestabilito a monte, che conduca al riconoscimento assoluto di personalità significative. Ci aspettiamo che l’esperienza dei gruppi artistici degli anni ottanta/novanta, sorta di agenzie che adottavano cultura sociologica e vere e proprie strategie del business per auto promuoversi e tautologicamente esistere in quanto prodotto riflessivo dello stesso sistema economico che li poteva far generare, sia davvero finita.

Ebbene, da parte degli ARIS, questi procedimenti dovrebbero essere differenti. Se la loro non è un’opera ma un’operazione complessa che mira al mito di fondazione incarnato, per quanto modesto, privato e individuale possa essere, la loro grande opera si potrà dire compiuta quando ci dimenticheremo del gruppo stesso a favore del mito da essi costruito. Il mito indipendente da loro dovrebbe prendere il sopravvento. Ma non pare questo il modo di incoraggiarli.

Di certo il confronto tra queste due autonomie ed energie, che non dovrebbero operare in simbiosi ma indipendenti, si basa su una ricerca di documenti e prove di esistenza che non andrebbero a interferire con quella che è la vita e, diremo, le opere dei candidati. A quanto pare questi individui si sottopongono ad un contratto… Ora, un individuo comune serba caratteristiche degne e capaci di reggere all’imposizione di cui gli artisti ARIS lo grava? Sono forti e lucidi, sia gli individui che gli artisti, di accollarsi un simile impegno?

Lasciamo aperta la questione giacché sarà il tempo e il loro percorso a darci risposte. In questa fase appare interessante la loro scelta di campo e il confronto col pubblico dell’arte, avvezzo a opere finite e definite. Un opera-operazione in fieri, è una sfida aperta: quanto meno un miraggio davvero visibile, quando non una vera fondazione esistenziale. Tutto nell’operazione degli ARIS genera dubbi e scatena questioni. Sono proprio questi i meriti dei bresciani: i quesiti irrisolti di cui domandare risposte e alimentare nuovi dubbi. Persone comuni sarebbero miti perfetti? Ogni individuo potrebbe essere mitizzato?

Alcune peculiarità rendono alcuni individui emblematici o, come intitolava un artista una sua opera “anch’io sono Dio”? Nella mostra alla Wunderkammern è scelto per “mito” ad esempio un prete. Ma può essere dato da un prete l’avallo a essere preso per “mito” anziché per “santo”? Se stupisce che Van Gogh non sia ancora stato fatto beato (il suicidio non nega la sua vita esemplare) altrettanto stupisce che un prete possa accettare di essere stato scelto. Verificheremo, sempre che ciò abbia senso, la verità dei dati, dei documenti che gli ARIS proporranno in mostra. Ma la supposta verità dei documenti induce a riflettere sulla necessità dei miti. Oppure alle prime tracce esposte ci renderemo conto di esser caduti in un tranello. D’altronde di miti resistenti è perennemente privo il mondo. Rendere qualcuno, prima della compiutezza dell’intera vita, protagonista nel ruolo di mito finisce forse per assegnargli un premio in anticipo sui meriti e gli esiti futuri. Fornire un aura, “incoronare” subito, dovrebbe in qualche modo predestinare e rendere partecipi della scelta operata. L’oggetto diventa soggetto. Il prescelto, in un rito che non conosciamo, espanderà naturalmente il raggio della sua azione, la persuasività della sua voce, la rappresentatività delle sue parole.

Gli ARIS ricercano il tempo perduto e quello futuro, in coincidenza. La leggenda umana, destinata all’umanità, è nominata come un titolo onorifico sulle spalle dei cavalieri prescelti. Jusep Torres Campalans è un pittore mitico, inventore a Parigi (con Picasso e Braque) del cubismo, a un certo punto della sua precoce vita a contatto coi grandi scelse la vita selvaggia tra gli indiani montanari del Messico. Max Aub tumultuoso e anarchico letterato nel 1958 ne raccontò la vita, riflettendo sull’evoluzione delle idee artistiche con cui si formò più di una generazione. In un’epigrafe della biografia lo scrittore sottolinea con una citazione “come può esistere verità senza menzogna?”. Campalans è un mito. Inesistente. L’operazione di Aub è fondamentale.

Trasformare una persona ‘normale’ (ma poi esiste la normalità?) in mito è un’operazione che all’arte e agli artisti dovrebbe riuscire benissimo. Se da Duchamp in poi ad ogni oggetto comune è permesso di passare ad uno status auratico, superiore, di entrare nell’Olimpo dell’arte – per riprendere il concetto di mito così come affrontato da Gianni – è evidente come questo possa accadere anche con le persone.

Ma, tra le possibili letture della mostra degli ARIS, non sottovaluterei il discorso mediatico. In attesa di vedere i materiali da loro proposti ed esposti, mi sembra comunque di intravedere una componente ironica, un accento sul come sia facile diventare ‘mitici’ più che ‘miti’ al giorno d’oggi. Un discorso che dunque appare nelle sue pieghe sociologico e antropologico, che non può non riportare ai meccanismi, talvolta perversi, che oggi aiutano a raggiungere fama e notorietà.

Leggendo degli ARIS, mi balzano agli occhi parole come “indagine”, “analisi scientifica”, “catalogazione”, segno di un intervento che fonda su basi solide, lucide, strutturalmente definite. Eppure, la scelta dei miti è per forza di cose arbitraria, forse casuale oserei dire.

Anche eroi si può diventare per caso; allo stesso modo, si può essere trasformati in mito per mano dell’arte (mi vien da pensare alle modelle firmate da Manzoni, presenze fisiche marchiate dal segno indelebile dell’artista che continuano a vivere nella memoria storico-artistica, seppur prive di nome).

Interessante mi pare anche la dicotomia tra processo e risultato; il primo impalpabile, un in fieri che presuppone una strategia mentale, innanzitutto. Il secondo fortemente oggettuale, legato a quei beni che si caricano di un significato particolare per il loro essere legati alla vita del ‘mito’. Oggetti che assumono il sapore di reliquie, se non di feticcio, e che riportano a un contesto propriamente fisico.

Come dire, siamo quel che mangiamo, quel che usiamo. E poi quel che le persone sanno e ricordano di noi (tra il materiale presentato dovrebbero esserci delle interviste). La memoria si condensa negli oggetti e nelle parole, due elementi qui facce della stessa medaglia.

Concordo con Gianni: le questioni sono tante, e di certo la mostra non mancherà di suscitarne delle nuove.

POESIA

Se dipendesse da lei , dalla poesia, preferirebbe fare giusto l’ancella mansueta. Operosa ma invisibile, modestamente fiera nella sua condizione remota, dedita alla riflessione del/sul mondo. Compagna solitaria non imbellettata come altre arti che condividono col pubblico il loro palco mondano. E infatti anche per la poesia le cose cambiano quando si pensa ai poemi trionfali e tronfi o quando si era poeti avanguardisti e si poteva contare sulla voluttà di essere fischiati.

Oggi la melma copre i colletti, le cravatte, i decoltè: la pelle si bagna e un poco la assorbe. E allora la crociata, vecchia e sempre nuova, che fa la poesia è di non starsene quieta, scritta sui fogli, in Times New Roman dimensione 12 o 14, ma ancora, ove possibile e in chi “non la vuol mandar giù”, la poesia fuoriesce, viene emessa. Di voce. La si bisbiglia o la si grida, la si declama o frantuma in schegge vocali che non potrebbe registrare una pagina scritta proprio come certa musica contemporanea non riesce a contenerla lo spartito. Gia perché di primo acchito saremmo certi che la poesia ha senso sulla carta negandole proprio la sua originaria oralità modulata, quasi canzone di sillabe, trasmessa alle orecchie.

Da conservare poi come presenza pulsante nel cervello impressionato e commosso. La poesia, si pensa di consueto, sarebbe un deposito, una polvere, nel suo formarsi e crescere, più lenta delle lancette dell’orologio. Uno strato grigio, la polvere, che su alcuni oggetti e superfici attecchisce meglio, e sospinta dall’andare dell’aria compone riccioli e aeree mareggiate. Ma questo non piace a chi ha memoria della storia della voce poetica e resta un vendicativo e ribelle anche dopo una smaliziata gioventù (che, di suo, facilmente estremizza).

Alla soglia del buon senso, che viene con la maturità, ci si ritira in accademia e si opta, dopo l’impegno, per la classicità o per l’impiego. Ma impiegati dell’arte, come è noto, non ce ne possono essere. Davvero che per Tomaso Binga (alter di Bianca Menna) e per Antonio Amendola la poesia è un’arte civile pronta a rintracciare tutte le valenze del suono, del rumore, del gesto e del corpo. E nel corpo del poeta vivente che opera sta il vero strumento che non dà spettacolo ma certo fa mostra di sé nel presente. La vera opera è quindi la presenza del poeta ma anche dell’ascoltatore. Tutti in carne e ossa armoniche. E a parlare di poesia al loro riguardo, con la sfrontatezza che ci è propria, non ci si sorprende di inclusioni per far coesistere del mondo, seppur rarefatti o in nuce, tutti i suoi suoni, i suoi versi, i suoi rumori.

Con un atteggiamento civile, detto per inciso in sintesi azzardata, i nostri sembrano tener conto della vera avanguardia storica italiana che è il “Giorno” del Parini. Nel triangolo poe-fonico di Tomaso Binga, Bianca Menna e Antonio Amendola tutto è acuminato o tagliente pure quando seduce la tondità dei dettagli. Se la poesia aggredisce è perché risponde con le proprie armi ad un affronto. Sceglie di competere con la forza alle aggressioni subite. Ai rumori risponde coi rumori, alle storture della civiltà apparente con i versacci tronchi o con una leggera indifferenza musicale. Agisce ad armi pari, la poesia vendicativa si scontra col mondo: sguainata come una sciabola sfiletta solo qualche brandello di pelle al nemico pubblico. Un duello che vuole il segno della prima goccia di sangue (il pubblico potrà dirsi touché).

La poesia performativa non subisce anzi risponde della sua complessa storia umana. Se alla siccità del pianeta terra la falsa comunicazione sbandiera la pubblicità delle acque minerali che ci ha fatto conoscere il fasullo benessere corporale in termini di “plin plin” (ben altra cosa dei versi di “fontana malata”), ecco la performance poetica risponderà con il suo impeto fluido. Ristabilirà a chi compete di suonare le campane.

Parola chiave: contaminazione. Corpo e parola, performance e poesia, regola e caso. Vito Acconci, cominciando da poeta, disse di aver sentito ad un certo punto l’esigenza che le parole si estendessero allo spazio circostante. E divenne il performer che tutti conosciamo.

Immagino la scrittura vivente di Tomaso Binga/Bianca Menna e la scrittura di voce di Antonio Amendola che si diffondono allo stesso modo nell’ambiente a loro designato, sconfinando l’una nell’altra. Vien da pensare al Cabaret Voltaire e alle serate futuriste, dove l’aggressione verbale si accompagnava talvolta a quella fisica. Ma, se di aggressione si tratta anche nel nostro caso, forse è da intendersi proprio come un perenne sconfinamento, un’irruzione nello spazio che si attua in senso fisico, fonetico, poetico.

Penso all’elemento visivo che si combina con quello sonoro, con il corpo a fare da tramite. Una gestualità che disegna le parole nell’aria e allo stesso tempo le canta.

Il pubblico non può restare fuori dall’evento; è chiamato probabilmente a decodificare i segni o semplicemente a lasciarsi andare a libere associazioni.

Regola e improvvisazione convivono così come “impone” la sperimentazione. Non saranno tirate fuori da un cappello, ma queste nuove parole in libertà sembrano mettere ancora in scena le infinite possibilità artistiche del linguaggio, verbale e musicale.

John Austin scriveva nel 1962 Come fare cose con le parole; le Aggressioni poetiche di Binga e Amendola potrebbero controbattere con un come fare arte con le parole.

Info:

IL MITO sancisci e scardina

Location: WUNDERKAMMERN, via Gabrio Serbelloni 124, Roma Inaugurazione: Giovedì 4 Dicembre 2008 – ore 18,30

Autori e opere: Gruppo ARIS Cinini/Martinotta/Simoni: MITO ARIS, installazioni ‘people-specific’. Presentazione di Francesco Tedeschi Tomaso BINGA, Antonio AMENDOLA: AGGRESSIONI POETICHE, performance. Presentazione di Giorgio Bonomi

A cura di: Associazione Culturale Wunderkammern – Presidente Franco Ottavianelli - www.wunderkammern.net

Durata e orario di apertura: dal 4 dicembre 2008 al 5 febbraio 2009. Aperto lunedì e mercoledì dalle 17,00 alle 19.30 o per appuntamento, 347 9044911. Chiuso sabato, domenica e festività natalizie.

L’evento è presentato da SpaghettoChild, associazione per lo sviluppo dell’arte contemporanea e la cultura dello skateboarding, e da JANUARY 29^TH.

Il progetto JANUARY 29^TH nasce da Diana Manfredi e Alessia Pelistri, con l’intento di arricchire il panorama italiano di eventi culturali ancora inediti in Italia e allo stesso tempo di promuovere il lavoro di giovani creativi italiani negli Stati Uniti.

Presentato con frequenza quasi annuale, il festival propone cortometraggi e documentari della durata massima di 7 minuti. Non ci sono vincoli di tema o genere, purchè i filmati siano realizzati da skateboarder. Nato circa otto anni fa a San Francisco dalla mente dei suoi curatori Andreas Trolf e David Franklin, Underskatement è un festival creato con l’intento di avvicinare il mondo dello skateboarding a quello della cinematografia “ufficiale”.

L’obiettivo è infatti far emergere dalla zona d’ombra cinematografica dello skateboarding i filmaker cresciuti in questa scena. Si tratta di un vero e proprio film festival, che, prendendo spunto da una realtà underground, propone il punto di vista spesso ironico e irriverente di chi la vive quotidianamente. Gli spettatori potranno così condividere un modo diverso di fare cinema, ma anche lo stile di vita anticonformista e libero proprio degli skateboarder.

Saranno 18 i cortometraggi presentati durante la serata, selezionati fra i migliori delle precedenti edizioni.

I video spaziano dall’animazione come in THURSDAY e SEEING ROBOTS, alla sperimantazione di A MINER MOVIE, passando dai documentari SKATE NA VEIA e SKATING THROUGH THE ASHES fino ad arrivare al corto, già cult tra il popolo di youtube, FIX PUSH, dove si scherza deridendo i nuovi ciclisti urbani e la loro bici “fissa”.

Tra gli autori e i protagonisti presenti in questa edizione non potevano mancare esponenti di spicco nella scena dello skateboarding internazionale e dell’arte quali: Mark Gonzales con il suo COLD WATER, Steve Salisan con l’originalissimo BUGS, Chris Johanson con ENCINITAS REALIZATION e i prematuramente scomparsi Trevor Prescott, Rubin Orkin e Curtis Hsiang.

Sponsor dell’edizione italiana del festival è Ecko Unlimited noto brand streetwear americano famoso in tutto il mondo per il suo logo, un rinoceronte, nato dall’esigenza del suo fondatore Mark Ecko di trovare uno stile che non fosse omologato.

La prima edizione di Underskatement si svolgerà nella particolare sede della BASTARD, che ha da poco inaugurato la sua nuova struttura: l’ex-cinema Istria. Il vecchio cinema degli anni 40′ conserva ancora la sua architettura originaria ma è stato ristrutturato in un’ottica moderna e con l’aggiunta di una spettacolare rampa circolare sopraelevata “bowl”, creata appositamente per skatare.

A fine proiezione vi sarà un rinfresco offerto da Vino Novo e una skate session alla bowl.

Andreas Trolf, co-ideatore del festival, sarà presente alla proiezione ed esporrà una ventina tra le fotografie più significative scattate durante il lungo tour americano di Underskatement.

Info:

Diana Manfredi e Alessia Pelistri (January 29th) al numero 340.610.0260 o Eleonora DeBernardi (ufficio stampa) al numero 340.679.7527 oppure all’indirizzo email: january.twenty.ninth@gmail.com

Mostar fu una delle città che subì i maggiori traumi e i maggiori danni tra quelle coinvolte nelle guerre della ex-Jugoslavia. Il trattato di pace di Dayton congelò a Mostar una tregua armata e la città si divise etnicamente in due: mussulmani a est e croati a ovest.

L’intenzione dei CSI, su richiesta e organizzazione della Regione Emilia-Romagna presente in Bosnia con numerosi progetti di cooperazione, era quella di tenere due concerti, uno nella parte orientale e uno in quella occidentale. I concerti si svolsero effettivamente, dopo numerose peripezie dovute alle avverse condizioni meteorologiche e a un viluppo di problemi politico-etnici.

Con i CSI a Mostar c’era anche Davide Ferrario che per una settimana, con la sua piccola troupe, ha documentato l’avventurosa storia dei concerti e la situazione della città e dei suoi abitanti.  Terminati i concerti, tutti rientrarono e nell’anno successivo i CSI si presero una lunga pausa di ripensamento e di avventure solistiche, che sfociò nella rottura del sodalizio storico tra Giovanni Ferretti e Massimo Zamboni.

Dopo qualche anno Ferrario ha ripreso in mano le circa venti ore girate e le ha montate in forma aperta in un lavoro della durata di un’ora intitolato Linea di confine – Diario di Mostar. Linea di confine, infatti, non è propriamente un film o un documentario. E’ piuttosto una specie di diario di viaggio, illustrato da letture in diretta effettuate dallo stesso regista. Il risultato è una testimonianza unica di un’esperienza altrettanto irripetibile.

A 10 anni esatti dai concerti dei CSI a Mostar, Massimo Zamboni, fondatore del gruppo CCCP – Fedeli alla Linea, di cui è chitarrista e compositore e dei successivi CSI Consorzio Suonatori Indipendenti, arriva nel 2008 alla sua nuova prova solista “L’inerme è l’imbattibile” (Il Manifesto) che presenta a Hiroshima Mon Amour la sera di Giovedì 20 Novembre 2008.

Un progetto multimediale che, sia nel live che su disco, usa musica, immagini e parole che partono da Mostar per un viaggio verso tutti gli Est del mondo. Un percorso che attraversa le ragioni etiche del nostro vivere. Inerme è colui che non ha armi. L’indifeso. L’inerme porta con sé la speranza. La si può cercare nella ricostruita Berlino che riapre le Sinagoghe.

Nella massacrata Sabra, in Libano, che aggredisce con una voglia di vivere bestialmente più forte, in senso altissimo, di qualsiasi città d’oro. Nel centro storico abbattuto di Mostar – quello dei Bosniaci inchiodati alle granate dall’embargo europeo – che appare a tutti più alla lunga imbattibile che non i precari quartieri dei croati vittoriosi. Risolutamente negli inermi assoluti Zamboni vede, con chiarezza, i depositari di quella incalpestabile memoria che contiene passato e futuro

Dieci anni per un anniversario su cui meditare, alla luce di quello che è successo al gruppo dopo di allora. Un ragionamento non solo sui dopoguerra “veri”, della Storia, ma anche su quelli privati di chi quella storia ha attraversato.

Info:

Associazione Culturale Hiroshima Mon Amour
Via Bossoli 83 – Torino
Telefax 011 3175427 – email: hma@hiroshimamonamour.org

Storicamente gli artisti sono stati tra i primi a riflettere sul degrado degli spazi urbani e a cimentarsi con azioni autonome orientate al miglioramento del landscape urbano in senso estetico ma anche politico ed esperenziale, basti pensare ai primi street artists degli anni ‘60 come i Diggers di San Francisco, o i Provos di Amsterdam e a correnti di pensiero pseudo-artistiche come il Situazionismo ed i Fluxus.

In senso più lato anche gli artisti appartenenti alle discipline artistiche definite come Environmental Art e la Land Art possono essere considerati precursori degli attuali attivisti urbani, anche se i primi si muovevano soprattutto in ambienti naturali mentre per i secondi il terreno privilegiato di azione è la metropoli.

Ci siamo occupati anche noi, nei nostri precedenti post, di tipologie di attivismo urbano artistico con i Graffiti Research Lab. Quello che sembra comunque accomunare tutte le pratiche di attivismo, in generale, ed in particolare quelli che coinvolgono la quotidianità cittadina, è una elevata dose di creatività, ironia e praticità nel realizzare le iniziative, amore per la città in cui si vive, una elevata dose di idealismo ed una grande voglia di cambiare le cose.

Un perfetto manifesto per qualunque artista insomma.