Dal 28 agosto al 6 settembre, il ricco palinsesto del festival dedicato alla street art in tutte le sue forme, alla musica, alla danza e all’intrattenimento porterà un gruppo di giovani creativi a bordo di un magic bus a compiere oltre 500 km attraverso tre paesi della Mitteleuropa, per invadere le piazze e i club di nove città di Italia, Slovenia e Austria, con un “compagno di viaggio” d’eccezione: KAOS ONE, pioniere della scena hip hop italiana.

Udine (28 agosto), Gemona (29 agosto), Trieste (30 agosto), Lubiana (31 agosto-1 settembre), Graz (2 settembre), Staranzano (3 settembre), Monfalcone (4 settembre), Nova Gorica (5 settembre), Gorizia (6 settembre): queste le tappe del fitto programma.

Molti gli ospiti di spicco sia nell’ambito musicale, spaziando dall’elettronica all’hip hop – tra gli altri, KAOS ONE, DEDA, TURI, DJ TRIX e i nostrani CARNICATS che la sera di sabato 28 inaugureranno il tour al Parco del Cormor a Udine – che della danza con la partecipazione, per il terzo anno consecutivo, di ballerini e ballerine ai vertici mondiali della breakdance e della danza hip hop.

Per informazioni su palinsesto e ospiti: www.scimmieingabbia.net

Ufficio stampa SIG09
Karla Alvarez
347.9843626

EvilMonito: Quale e’ esattamente la tua posizione?

Sono un illustratore Free Lance

EM: E invece chi fa in casa la maggior parte dei lavori domestici?

La Sarah, ma io in realta’ l’aiuto abbastanza.

EM: Ci parli un po’ del tuo vicinato e ci dici cosa lo rende unico?

Abito a due passi dal mare. Il posto e’ spesso battuto dalle tempeste, ma la cosa piu’ affascinante sono la luce e i colori del cielo. Il vicinato … e’ proprio bello matto. Con tutte le condizioni atmosferiche immaginabili, anche in inverno quando l’acqua e’ freddissima c’e’ sempre qualcuno che scende in acqua a fare il bagno. Io da qualche angolo un po’ riparato mi avvicino allora e prendo tantissime foto di questi nuotatori. Mi divertono e mentre li guardo penso che vivo a Dublino da ventanni ma infondo sono ancora italiano … loro tutti matti irlandesi.

EM: Quali sono gli oggetti preferiti nel tuo mercatino locale?

Le vecchie mappe di Dublino. Alcune sono vecchie di 300 anni e quindi costose. Ma sono cosi’ ricche di dettagli che se un giorno deciderete di venire a fare un giro qua, verrebbero ancora e sempre molto utili.

EM: Chi ti piacerebbe intervistare tra i tuoi “eroi” che rimangono in gran parte decantati?

Mi piacerebbe parlare con il grande romanziere Milan Kundera. Purtroppo temo gia’ da tempo non rilasci piu’ interviste.

EM: Quale e’ il tuo vido favorito su youtube?

Nina Simone – Ain\’t Got No…I\’ve Got Life

EM: E quale e’ il tuo favorito ristorante abituale.

La Strada. E’ una pizzeria Algerina situtata alla fine del viale. E’ molto semplice ma il cibo e’ molto buono. Mediterraneo. Mi piace il fatto che ci sia sempre un bicchiere o due di vino offerto dal locale prima che si lasci il posto. E poi c’e’ Mo, il proprietario, che spesso viene a sedersi vicino a noi con tutti i suoi racconti (molto colti) sul mondo Arabo, sugli arabi, ma anche su Parigi, l’Irlanda l’Africa su tutto.

EM: Che musica stai ascoltando in questo esatto momento.

Spellbound di Siouxsie Sioux.

EM: E cosa c’e’ sul comodino come libro difianco a te.

The House of Mirth un romanzo di Edith Wharton (che io non leggo, lo legge la Sarah)

EM: Quale citta’ preferisci per i tuoi viaggi. E perche’ mai?

Londra per le gallerie d’arte. Istanbul per l’incontro tra le diverse culture.

EM: A quali progetti ti stai dedicando in questo momento.

Sto lavorando ad una serie di disegni sul golf e sul tennis, richiestimi dalla mia agente americana Linda de Moreta. E ce ne e’ uno in particolare dove si vedono due giocatori a piedi nudi che non credo sia esattamente quanto la signora Linda stia sperando di ricevere. Ma d’altra parte, sorprendere le persone, e’ parte essenziale del mio lavoro. Almeno cosi’ a me piace credere.

***
Per piu’ informazioni sul lavoro di Mario visita: http://www.nerosunero.org/

MITO

Il gruppo bresciano ARIS, da non confondere con Ares, propone materiali vari che costituiscono le prove per un processo documentario atto a mitizzare individui. Tracce sparse e notizie biografiche analizzate e rintracciate allo scopo dell’elaborazione di un corpus grazie al quale un individuo possa assurgere a “mito”. Non sappiamo cosa vedremo in galleria ma già nell’obiettivo che gli ARIS si prefiggono, la mitizzazione, prendono le mosse una serie di questioni aperte sulle quali lo spettatore si confronterà in sede espositiva. La definizione di mito si differenzia innanzitutto dal consueto concetto di “star” che del “system” industriale e di massa è il prodotto. Bisogna insomma far piazza pulita dei media della sferica società contemporanea, come pure dei concetti di super-omismo, di divinità, perfino dei “casi” umani, letterari o artistici.

Gli ARIS sembrano tornare ad una concezione auratica svincolata da iconismi di superficie in voga nei nostri tempi. No. Scelgono il mito e la sua esemplarità umana, nonostante il mito risalga la linea leggendaria e favolosa che deriva da una visione delle divinità e degli eroi in rapporto con l’origine del mondo, del genere umano o di un popolo, fino a identificare in una persona, una cosa o un fatto una valenza leggendaria che trascende l’individuo (ad esempio: il mito di un personaggio storico o di un politico).

Gli ARIS si dovrebbero cioè distinguere dai “talent-scout” (tanto presenti in tutte le forme del nostro contemporaneo) e inventare un loro metodo per far condividere e riconoscere qualità universali di singoli individui, attivando cioè un sistema (che chiamar strategia suona improprio), un percorso, prestabilito a monte, che conduca al riconoscimento assoluto di personalità significative. Ci aspettiamo che l’esperienza dei gruppi artistici degli anni ottanta/novanta, sorta di agenzie che adottavano cultura sociologica e vere e proprie strategie del business per auto promuoversi e tautologicamente esistere in quanto prodotto riflessivo dello stesso sistema economico che li poteva far generare, sia davvero finita.

Ebbene, da parte degli ARIS, questi procedimenti dovrebbero essere differenti. Se la loro non è un’opera ma un’operazione complessa che mira al mito di fondazione incarnato, per quanto modesto, privato e individuale possa essere, la loro grande opera si potrà dire compiuta quando ci dimenticheremo del gruppo stesso a favore del mito da essi costruito. Il mito indipendente da loro dovrebbe prendere il sopravvento. Ma non pare questo il modo di incoraggiarli.

Di certo il confronto tra queste due autonomie ed energie, che non dovrebbero operare in simbiosi ma indipendenti, si basa su una ricerca di documenti e prove di esistenza che non andrebbero a interferire con quella che è la vita e, diremo, le opere dei candidati. A quanto pare questi individui si sottopongono ad un contratto… Ora, un individuo comune serba caratteristiche degne e capaci di reggere all’imposizione di cui gli artisti ARIS lo grava? Sono forti e lucidi, sia gli individui che gli artisti, di accollarsi un simile impegno?

Lasciamo aperta la questione giacché sarà il tempo e il loro percorso a darci risposte. In questa fase appare interessante la loro scelta di campo e il confronto col pubblico dell’arte, avvezzo a opere finite e definite. Un opera-operazione in fieri, è una sfida aperta: quanto meno un miraggio davvero visibile, quando non una vera fondazione esistenziale. Tutto nell’operazione degli ARIS genera dubbi e scatena questioni. Sono proprio questi i meriti dei bresciani: i quesiti irrisolti di cui domandare risposte e alimentare nuovi dubbi. Persone comuni sarebbero miti perfetti? Ogni individuo potrebbe essere mitizzato?

Alcune peculiarità rendono alcuni individui emblematici o, come intitolava un artista una sua opera “anch’io sono Dio”? Nella mostra alla Wunderkammern è scelto per “mito” ad esempio un prete. Ma può essere dato da un prete l’avallo a essere preso per “mito” anziché per “santo”? Se stupisce che Van Gogh non sia ancora stato fatto beato (il suicidio non nega la sua vita esemplare) altrettanto stupisce che un prete possa accettare di essere stato scelto. Verificheremo, sempre che ciò abbia senso, la verità dei dati, dei documenti che gli ARIS proporranno in mostra. Ma la supposta verità dei documenti induce a riflettere sulla necessità dei miti. Oppure alle prime tracce esposte ci renderemo conto di esser caduti in un tranello. D’altronde di miti resistenti è perennemente privo il mondo. Rendere qualcuno, prima della compiutezza dell’intera vita, protagonista nel ruolo di mito finisce forse per assegnargli un premio in anticipo sui meriti e gli esiti futuri. Fornire un aura, “incoronare” subito, dovrebbe in qualche modo predestinare e rendere partecipi della scelta operata. L’oggetto diventa soggetto. Il prescelto, in un rito che non conosciamo, espanderà naturalmente il raggio della sua azione, la persuasività della sua voce, la rappresentatività delle sue parole.

Gli ARIS ricercano il tempo perduto e quello futuro, in coincidenza. La leggenda umana, destinata all’umanità, è nominata come un titolo onorifico sulle spalle dei cavalieri prescelti. Jusep Torres Campalans è un pittore mitico, inventore a Parigi (con Picasso e Braque) del cubismo, a un certo punto della sua precoce vita a contatto coi grandi scelse la vita selvaggia tra gli indiani montanari del Messico. Max Aub tumultuoso e anarchico letterato nel 1958 ne raccontò la vita, riflettendo sull’evoluzione delle idee artistiche con cui si formò più di una generazione. In un’epigrafe della biografia lo scrittore sottolinea con una citazione “come può esistere verità senza menzogna?”. Campalans è un mito. Inesistente. L’operazione di Aub è fondamentale.

Trasformare una persona ‘normale’ (ma poi esiste la normalità?) in mito è un’operazione che all’arte e agli artisti dovrebbe riuscire benissimo. Se da Duchamp in poi ad ogni oggetto comune è permesso di passare ad uno status auratico, superiore, di entrare nell’Olimpo dell’arte – per riprendere il concetto di mito così come affrontato da Gianni – è evidente come questo possa accadere anche con le persone.

Ma, tra le possibili letture della mostra degli ARIS, non sottovaluterei il discorso mediatico. In attesa di vedere i materiali da loro proposti ed esposti, mi sembra comunque di intravedere una componente ironica, un accento sul come sia facile diventare ‘mitici’ più che ‘miti’ al giorno d’oggi. Un discorso che dunque appare nelle sue pieghe sociologico e antropologico, che non può non riportare ai meccanismi, talvolta perversi, che oggi aiutano a raggiungere fama e notorietà.

Leggendo degli ARIS, mi balzano agli occhi parole come “indagine”, “analisi scientifica”, “catalogazione”, segno di un intervento che fonda su basi solide, lucide, strutturalmente definite. Eppure, la scelta dei miti è per forza di cose arbitraria, forse casuale oserei dire.

Anche eroi si può diventare per caso; allo stesso modo, si può essere trasformati in mito per mano dell’arte (mi vien da pensare alle modelle firmate da Manzoni, presenze fisiche marchiate dal segno indelebile dell’artista che continuano a vivere nella memoria storico-artistica, seppur prive di nome).

Interessante mi pare anche la dicotomia tra processo e risultato; il primo impalpabile, un in fieri che presuppone una strategia mentale, innanzitutto. Il secondo fortemente oggettuale, legato a quei beni che si caricano di un significato particolare per il loro essere legati alla vita del ‘mito’. Oggetti che assumono il sapore di reliquie, se non di feticcio, e che riportano a un contesto propriamente fisico.

Come dire, siamo quel che mangiamo, quel che usiamo. E poi quel che le persone sanno e ricordano di noi (tra il materiale presentato dovrebbero esserci delle interviste). La memoria si condensa negli oggetti e nelle parole, due elementi qui facce della stessa medaglia.

Concordo con Gianni: le questioni sono tante, e di certo la mostra non mancherà di suscitarne delle nuove.

POESIA

Se dipendesse da lei , dalla poesia, preferirebbe fare giusto l’ancella mansueta. Operosa ma invisibile, modestamente fiera nella sua condizione remota, dedita alla riflessione del/sul mondo. Compagna solitaria non imbellettata come altre arti che condividono col pubblico il loro palco mondano. E infatti anche per la poesia le cose cambiano quando si pensa ai poemi trionfali e tronfi o quando si era poeti avanguardisti e si poteva contare sulla voluttà di essere fischiati.

Oggi la melma copre i colletti, le cravatte, i decoltè: la pelle si bagna e un poco la assorbe. E allora la crociata, vecchia e sempre nuova, che fa la poesia è di non starsene quieta, scritta sui fogli, in Times New Roman dimensione 12 o 14, ma ancora, ove possibile e in chi “non la vuol mandar giù”, la poesia fuoriesce, viene emessa. Di voce. La si bisbiglia o la si grida, la si declama o frantuma in schegge vocali che non potrebbe registrare una pagina scritta proprio come certa musica contemporanea non riesce a contenerla lo spartito. Gia perché di primo acchito saremmo certi che la poesia ha senso sulla carta negandole proprio la sua originaria oralità modulata, quasi canzone di sillabe, trasmessa alle orecchie.

Da conservare poi come presenza pulsante nel cervello impressionato e commosso. La poesia, si pensa di consueto, sarebbe un deposito, una polvere, nel suo formarsi e crescere, più lenta delle lancette dell’orologio. Uno strato grigio, la polvere, che su alcuni oggetti e superfici attecchisce meglio, e sospinta dall’andare dell’aria compone riccioli e aeree mareggiate. Ma questo non piace a chi ha memoria della storia della voce poetica e resta un vendicativo e ribelle anche dopo una smaliziata gioventù (che, di suo, facilmente estremizza).

Alla soglia del buon senso, che viene con la maturità, ci si ritira in accademia e si opta, dopo l’impegno, per la classicità o per l’impiego. Ma impiegati dell’arte, come è noto, non ce ne possono essere. Davvero che per Tomaso Binga (alter di Bianca Menna) e per Antonio Amendola la poesia è un’arte civile pronta a rintracciare tutte le valenze del suono, del rumore, del gesto e del corpo. E nel corpo del poeta vivente che opera sta il vero strumento che non dà spettacolo ma certo fa mostra di sé nel presente. La vera opera è quindi la presenza del poeta ma anche dell’ascoltatore. Tutti in carne e ossa armoniche. E a parlare di poesia al loro riguardo, con la sfrontatezza che ci è propria, non ci si sorprende di inclusioni per far coesistere del mondo, seppur rarefatti o in nuce, tutti i suoi suoni, i suoi versi, i suoi rumori.

Con un atteggiamento civile, detto per inciso in sintesi azzardata, i nostri sembrano tener conto della vera avanguardia storica italiana che è il “Giorno” del Parini. Nel triangolo poe-fonico di Tomaso Binga, Bianca Menna e Antonio Amendola tutto è acuminato o tagliente pure quando seduce la tondità dei dettagli. Se la poesia aggredisce è perché risponde con le proprie armi ad un affronto. Sceglie di competere con la forza alle aggressioni subite. Ai rumori risponde coi rumori, alle storture della civiltà apparente con i versacci tronchi o con una leggera indifferenza musicale. Agisce ad armi pari, la poesia vendicativa si scontra col mondo: sguainata come una sciabola sfiletta solo qualche brandello di pelle al nemico pubblico. Un duello che vuole il segno della prima goccia di sangue (il pubblico potrà dirsi touché).

La poesia performativa non subisce anzi risponde della sua complessa storia umana. Se alla siccità del pianeta terra la falsa comunicazione sbandiera la pubblicità delle acque minerali che ci ha fatto conoscere il fasullo benessere corporale in termini di “plin plin” (ben altra cosa dei versi di “fontana malata”), ecco la performance poetica risponderà con il suo impeto fluido. Ristabilirà a chi compete di suonare le campane.

Parola chiave: contaminazione. Corpo e parola, performance e poesia, regola e caso. Vito Acconci, cominciando da poeta, disse di aver sentito ad un certo punto l’esigenza che le parole si estendessero allo spazio circostante. E divenne il performer che tutti conosciamo.

Immagino la scrittura vivente di Tomaso Binga/Bianca Menna e la scrittura di voce di Antonio Amendola che si diffondono allo stesso modo nell’ambiente a loro designato, sconfinando l’una nell’altra. Vien da pensare al Cabaret Voltaire e alle serate futuriste, dove l’aggressione verbale si accompagnava talvolta a quella fisica. Ma, se di aggressione si tratta anche nel nostro caso, forse è da intendersi proprio come un perenne sconfinamento, un’irruzione nello spazio che si attua in senso fisico, fonetico, poetico.

Penso all’elemento visivo che si combina con quello sonoro, con il corpo a fare da tramite. Una gestualità che disegna le parole nell’aria e allo stesso tempo le canta.

Il pubblico non può restare fuori dall’evento; è chiamato probabilmente a decodificare i segni o semplicemente a lasciarsi andare a libere associazioni.

Regola e improvvisazione convivono così come “impone” la sperimentazione. Non saranno tirate fuori da un cappello, ma queste nuove parole in libertà sembrano mettere ancora in scena le infinite possibilità artistiche del linguaggio, verbale e musicale.

John Austin scriveva nel 1962 Come fare cose con le parole; le Aggressioni poetiche di Binga e Amendola potrebbero controbattere con un come fare arte con le parole.

Info:

IL MITO sancisci e scardina

Location: WUNDERKAMMERN, via Gabrio Serbelloni 124, Roma Inaugurazione: Giovedì 4 Dicembre 2008 – ore 18,30

Autori e opere: Gruppo ARIS Cinini/Martinotta/Simoni: MITO ARIS, installazioni ‘people-specific’. Presentazione di Francesco Tedeschi Tomaso BINGA, Antonio AMENDOLA: AGGRESSIONI POETICHE, performance. Presentazione di Giorgio Bonomi

A cura di: Associazione Culturale Wunderkammern – Presidente Franco Ottavianelli - www.wunderkammern.net

Durata e orario di apertura: dal 4 dicembre 2008 al 5 febbraio 2009. Aperto lunedì e mercoledì dalle 17,00 alle 19.30 o per appuntamento, 347 9044911. Chiuso sabato, domenica e festività natalizie.

Baldoni concorre al premio finale con lo scatto intitolato “Fino a te” mentre Dell’Osso partecipa con la tela intitolata “L’esasperazione”.

Peccato che il voto on-line sia chiuso, altrimenti vi avremmo invitati a votare per i nostri beniamini, ma facciamo un grandissimo “in bocca al lupo” per la votazione finale,  quella effettuata da tutti gli artisti finalisti che saranno invitati a votare ognuno un collega per ogni sezione del concorso.

La premiazione dei vincitori e l’inaugurazione dell’esposizione delle opere in mostra si terrà il 28 di Novembre alla Fabbrica Borroni di Milano e sarà visitabile fino al 6 di Gennaio 2009.

Nel primo spazio, il centro di tutto l’evento, 140 opere segnano il percorso creativo dell’artista spagnolo tramite la personale rilettura delle opere dei grandi mastri che l’hanno ispirato mentre nel secondo,  si apre un confronto con Delacroix e le variazioni sul tema di “Le donne di Algeri nei loro appartamenti”. Nell’ultimo spazio invece il paragone è con “Colazione sull’erba” di Manet.

I numeri sono impressionanti: circa 200 opere in tutto adornano le parati dei tre palazzi parigini con nomi che vanno, oltre ai già citati Delacroix e Manet, da Rembrandt a Velázquez a Cézanne, da Goya a Tiziano e Renoir, da Poussin a El Greco a Gaugin.

Il quotidiano Le Monde ha provato a fare un po’ di conti ed ha stimato il valore totale delle opere in mostra che si aggirano intorno a qualcosa come 2,72 miliardi di euro mentre il governo francese ed altri investitori privati hanno sborsato 4,3 milioni di euro solo per la mostra al Grand Palais.

La risposta del pubblico è stata sino ad ora eccellente, a giudicare almeno dalle interminabili code che si registrano ai botteghini mentre il Grand Palais, anche per far fronte al grande impegno economico profuso, ha dovuto prolungare l’orario di apertura fino alle 22 per tutti e cinque i giorni settimanali, fino alla fine dell’evento.

La voce dei critici e della stampa, in merito a questa audace operazione, si muove tra lo sbalordito e l’atterrito, soprattutto per quanto compete le penne anglosassoni, sempre poco avvezze ai positivi apprezzamenti verso le performance culturali degli storici amici-nemici di oltre manica. Qualcuno, come Michael Kimmelman dell’ International Herald Tribune non nasconde la sua scarsa propensione verso gli eventi ciclopici come questo definendo la mostra al Grand Palais come un “mastodontico blockbuster” e ragguagliando il pubblico che “…se mai ci fosse una buona notizia legata al tracollo finanziario, questa sarebbe che eventi del genere saranno sempre più difficili da organizzare.”

Sempre per la stessa testata però, Meg Bortin sembra invece sottolineare l’elevato valore culturale dell’evento dove, attraverso una esposizione comparativa senza precedenti è possibile ripercorrere, per la prima volta in maniera così completa, una strada assolutamente affascinante all’interno non solo del genio creativo del prolifico artista spagnolo, ma anche nell’immaginario collettivo e nel senso estetico contemporaneo che queste grandi opere hanno così tanto contribuito a formare.

Tra citazioni esplicite ed accostamenti che possono sembrare azzardati, si dipanano quattrocento anni di storia dell’arte europea ed il risultato finale, che è più di una impressione, è quello di individuare Picasso come un vero e proprio genio della reinvenzione, la cui capacità di rilettura delle opere dei grandi artisti che l’hanno preceduto nasconde erudizione artistica, competenza e padronanza nel guardare e capire in profondità la loro arte, anche in età adolescenziale. Non a caso la prima opera esposta è una autoritratto realizzato da Picasso a 16 anni, che è stato accostato ad alcuni Delacroix.

Picasso è la prova assoluta che anche nella revisitazione, come vorrebbero fare anche maestri del cinema contemporaneo, di pellicole (tele in questo caso) dei grandi precursori, non sempre ci si deve aspettare un deludente polpettone ma anzi, senza rinunciare alle lusinghe del botteghino, anche i veri blockbuster possono aggiungere qualcosa al discorso artistico. Si badi bene comunque che stiamo parlando di Picasso e non di Harry Potter.

Anche Eltjon Valle ha deciso di andare in questa direzione, impegnandosi in una complessa ricerca elaborata con diverse modalità operative (che vanno dall’installazione al video, dalla foto ai dipinti e disegni) su una materia prima di cruciale importanza, il petrolio. Fonte di energia alla base dello sviluppo economico di tutti i paesi del mondo, e purtroppo causa di gravissime tensioni e di guerre terribili, l‘oro nero ha un valore strategico assoluto, e come tale rappresenta anche dal punto di visto simbolico un elemento carico di significati che impregnano l’immaginario collettivo.

Mettere in gioco in un progetto artistico il petrolio, e tutto ciò che esso significa, è una sfida non di poco conto. Eltjon Valle lo ha fatto riuscendo a trasformare , con grande efficacia, una esplorazione sul campo (e proprio su una specifica area di campi petroliferi in Albania) in una operazione carica di autentiche energie estetiche, che partendo dalle problematiche di una circoscritta situazione reale, da vita a una articolata visione multipla, a diversi livelli.

Il tema centrale del suo lavoro ha una precisa connotazione ecologica (che comunque stimola riflessioni e suggestioni più ampie ). La compagnia canadese Bankers Petroleum Ltd, che ha rilevato dalla compagnia di stato albanese Albpetroleum la concessione dell’area petrolifera di Patos Marinza, di trentadue chilometri quadrati con centinaia di pozzi, ha incaricato l’artista di studiare e elaborare un intervento che contribuisca, a livello di immagine e di sensibilizzazione culturale, ad avviare un processo di bonifica di un territorio fortemente inquinato a causa di pratiche estrattive tecnologicamente arretrate.

Il progetto di Valle prevede la realizzazione di interventi “site specific” su una serie di pozzi, con lo scopo di trasformare una condizione di degrado ambientale in un segnale estetico forte che indichi la volontà di una radicale inversione di tendenza per il futuro. La mostra alla Galleria nazionale d’arte di Tirana è una sorta di documentazione di questo work in progress, ma non in senso banalmente descrittivo. I dati informativi, le carte topografiche, le immagini fotografiche e video, e anche il petrolio stesso diventano materiali per una serie di opere che nel loro insieme formano un installazione ambientale con elementi strettamente interconessi.

Al centro della grande sala sono collocati su dei cubi neri due pezzi di terreno, ciascuno di un metro quadrato, spessi circa venti centimetri e intrisi di petrolio. Per il pubblico è forte l’impatto sensoriale, non solo quello visivo, perché l’acre odore del petrolio espande in tutto l’ambiente. Questa presenza fisica così pregnante crea una particolare atmosfera che carica di suggestione anche gli altri lavori.

Il video che ci mostra da una prospettiva ravvicinata l’attività dei pozzi acquista una più forte intensità reale così come le poche ma emblematiche grandi foto che mostrano, nella sua oleosa densità organica il liquido nero che trasuda dal terreno o inquina piccoli corsi d’acqua che attraversano dei prati.

Di più analitica freddezza concettuale è la serie di disegni su carta translucida dove la sintetica definizione topografica dei pozzi numerati e degli appezzamenti scanditi da griglie di strade e stradine, diventa attraverso una libera elaborazione una sorta di proliferante composizione astratta minimalista.

E infine, ci sono anche due quadri di grande misura, realizzati su tela con il petrolio al posto della pittura a olio. Il risultato è piuttosto drammatico:sono superfici scure con spessori bituminosi e sgocciolature da cui emergono appena visibili dei volti umani giallastri. Forse questi singolari dipinti si possono anche leggere come un monito sui rischi di una futura possibile catastrofe ecologica.

di Francesco Poli

Info:

Marinz: work in progress in a 32 KM2 oil field area
dal 7 Novembre al 7 Dicembre 2009

a cura di Francesco Poli, Rubens Shima

THE NATIONAL GALLERY OF ARTS TIRANA
Blv. Deshmoret e Kombit, Tirana (Albania)
Tel/Fax: 003554233976
E-mail: national.gallery.tirana.albania@gmail.com
Web: www.onufri.info, www.eltjonvalle.com

Dalle forme diverse e dagli intenti plurimi che scavalcano la mera provocazione artistica, i “tags” di Thrut (da cui il progetto TruthTag), transitano attraverso l’azione di urban activism passando attraverso una poetica ed estetica del gesto artistico, un misto tra cubismo e decostruttivismo, che trascende i confini del design, dell’ architettura e del graffitismo per approdare ad una sintesi espressiva in cui la geometria e la linearità delle soluzioni, la piattezza dei colori adottati, dissipano il caos del ambiente circostante generando un processo di semplificazione che intacca in maniera profonda ma allo stesso tempo discreta il landscape urbano.

Recentemente Truth ha partecipato al festival pratese Freeshout. Ecco alcune immagini:

Dopo un attimo di commozione per la dipartita terrena dell’artista e dell’uomo mi sono lasciato conquistare dalla banalità e dalla brutezza delle opere che saranno esposte, dal 22 di Ottobre 2008 al 19 Gennaio 2009, in questa mostra. Davvero, se non avessi saputo prima chi fosse l’autore di queste sculture, avrei giurato trattarsi della mostra di fine anno del corso di educazione artistica organizzato dall’Univeristà della Terza Età, con tutto il rispetto per operai, insegnanti e ferrovieri in pensione.

Al solo prezzo di euro 7 possiamo ammirare rottami sospesi in aria su una vasca da bagno, tende colarate appese al muro con un elastico alla base, mattoni finemente appoggiati alla parete con del ferro in evidenza, opere che si dice, sino ad ora scarsamente considerate, ma che hanno finalmente ricevuto l’evidenza che meritano (provengono da allestimenti portoghesi e tedeschi).

Io mi chiedo, ci sarà stato un motivo per cui queste opere, penso gudicate alquanto scarse anche all’epoca in cui furono prodotte, cioè i primi anni ‘70, in seguito alle suggestione dei viaggi effettuati dall’artista in giro per il mondo (Italia, India, Israele etc…), non sia stata considerata degna di essere portata all’attenzione dei riflettori ed esposti al giudizio del pubblico e della critica? La risposta io la conosco ed è semplice: perchè sono brutte!

Allego perciò alcune foto travate in giro e lascio giudicare anche voi. Forse mi sbaglio, ma forse no.

Prendendo come spunto il lavoro dell’artista polacca Monika Sosnowska dal titolo Concrete brain of Homo Sovieticus. La denuncia dei Kransnal parte dalla considerazione che l’artista, molto quotata sul mercato artistico polacco ed internazionale (ha esposto alla Biennale di Venezia nel 2007 e quest’anno a Basilea), utilizzi a fini prettamente carrieristici l’estetica e l’ideologia post-comunista senza proporre una vera riflessione sulle implicazioni socio-politiche ed economiche del passato regime, cosa che è invece punto focale della ricerca artistica dei Kransnals.

Proponiamo qui una gallery dei dipnti re-interpretati in stile kransnalino dei lavori della Sowsnowska, un atto di denuncia verso le atrocità commesse dall’esercito russo in Georgia e che i media non hanno saputo o voluto rappresentare.